Stephen Shore en la Fundación Mapfre

Madrid, 29 de septiembre de 2014
A lo largo de su extensa carrera, que comenzó muy temprano ya que con tan sólo 23 años expuso en el Metropolitan Art Museum de Nueva York, Shore ha sido galardonado con importantes premios y ha contado con numerosas monografías y con más de cincuenta exposiciones individuales en los museos más prestigiosos.

La exposición de la Fundación Mapfre muestra cerca de 260 obras y recorre los principales núcleos conceptuales de su práctica fotográfica: la reflexión sobre el lenguaje fotográfico, el análisis sobre el paisaje y el significativo uso del color y del blanco y negro. En la selección se han incluido serie tan célebres como Uncommon Places y American Surfaces junto con algunos de sus trabajos inéditos posteriores.

La precocidad con que comienza la trayectoria profesional de Stephen Shore es ya legendaria. Además de su temprana afinidad con la obra y el temperamento de Walker Evans, cuyo trabajo descubre muy pronto, el encuentro con Andy Warhol y su experiencia en la Factory -que frecuenta asiduamente entre 1965 y 1967- contribuyeron a la configuración de una formación autodidacta especialmente atípica.

A mediados de los años sesenta, la entrada de la fotografía en el campo artístico se realiza a través de una estética que se aleja de los postulados dominantes de la época. La apariencia de neutralidad y un tratamiento del tema aparentemente desinteresado o distante, fueron las características que, paradójicamente, permitieron a la fotografía ser plenamente aceptada como arte.

El carácter reiterado, sistemático y secuencial, así como la atención al aspecto exacto de la posición geográfica o temporal del registro son las características que vinculan las primeras piezas de Shore con la obra de otros artistas conceptuales del momento.

En esos mismos años Shore realiza diversos proyectos en los que se propone indagar en torno a los usos y modalidades del lenguaje fotográfico y, muy específicamente, sobre la estética de la fotografía amateur y utilitaria: la estética de la instantánea. Greetings from Amarillo. Tall in Texas y American Surfaces son trabajos que se incardinan en esta línea de investigación.

Después de haber experimentado con una cámara de juguete, realiza un set de diez postales perfectamente impresas según los estándares de la época, que ilustran una serie de monumentos locales de la ciudad de Amarillo. Tan sólo un detalle delata su operación: además del carácter totalmente anónimo de los edificios elegidos, en el dorso de las postales se elude cualquier información sobre su localización, convirtiendo así los lugares fotografiados en misteriosos souvenirs de una ciudad sin nombre.

En éste y su siguiente proyecto, American Surfaces, prosigue su investigación en torno a lo que Shore ha definido snapshotness, cuya mejor expresión se revela precisamente en aquello que podía interpretarse como un error o una dejadez por parte del fotógrafo. El diario visual que realiza en sus viajes por Estados Unidos no muestra en realidad vistas espectaculares, ni lugares memorables o momentos culminantes. Todo viene fotografiado con un estilo presuntamente neutro, sin emoción, aparentemente anónimo –como el propio tema que representaba–, imitando de forma consciente los rasgos de la estética amateur.

En 1973, Stephen Shore decide trabajar con una cámara de mayor formato y matizar la apariencia de sus imágenes como instantáneas. Sigue viajando a lo largo y ancho de Estados Unidos inspirándose en los temas de su serie American Surfaces aunque, paulatinamente, el dispositivo técnico, que requiere largas exposiciones y trípode, irá modificando su práctica en composiciones cada vez más complejas en las que destaca un virtuosismo hasta entonces encubierto.

Uncommon Places plantea también problemáticas cada vez más sutiles acerca de la representación del territorio y la visualización de esas fuerzas culturales –económicas y políticas– implícitas en las diversas expresiones en que se manifiestan y toman cuerpo: en las formas decorativas, arquitectónicas y urbanísticas.

Cuando Shore se da cuenta de que el cambio de cámara altera la naturaleza de su exploración decide llevar a cabo otro tipo de diario (Road Trip Journal) compuesto a partir de todo tipo de documentos que encuentra a lo largo de su periplo: postales, tickets o facturas que le fascinan en tanto que artefactos culturales.

Habiéndose convertido en uno de los máximos referentes por sus trabajos sobre el paisaje urbano y suburbano, Shore contradice de nuevo los criterios dominantes en la escena artística y comienza a trabajar en un entorno natural menos visiblemente alterado por la mano del hombre.

En 1980 deja Nueva York para instalarse temporalmente en el estado de Montana y el paisaje se convierte en un laboratorio visual a través del cual afrontar nuevos retos. No se rinde al diktat epocal que hace que parezca desfasado fotografiar en plena naturaleza, ni elude la espinosa cuestión de lo pintoresco. Las fotografías de Shore trascienden la representación del territorio geográfico para poner de relieve cómo la percepción, mediada por la fotografía, impone un determinado horizonte de expectativas que modela nuestra comprensión y experiencia del lugar.

A principios de los años 90 Shore toma otra decisión de carácter programático: trabajar en blanco y negro durante los siguientes diez años. Shore realiza el primer proyecto que inaugura esta nueva etapa en los bosques de los Montes Adirondack, (Essex County) donde destaca una visión sutilmente magnificada de las texturas y las superficies que nos devuelve al núcleo conceptual de su obra en torno al tema la transfiguración del mundo en imagen.

En sus fotografías de los yacimientos arqueológicos de Hazor y Ascalón (Arqueología) el recurso del blanco y negro se alía con la reflexión sobre el vínculo de este tipo de película con la representación del pasado. Aquí, lo vernacular de hace miles de años, emerge a la superficie para ser sometido al análisis de un saber que arqueología y fotografía comparten: averiguar a través de sus artefactos a qué se parecía esa época.

Finalmente con New York City (realizada entre el año 2000 y 2002), Shore culmina esta década en blanco y negro, Shore se propone reevaluar el estilo de la street photography con una cámara de placas y pone a prueba su dominio del lenguaje fotográfico.

Entre los años 2012 y 2013, el fotógrafo viaja a Ucrania para retratar a algunos de los últimos supervivientes del holocausto que, por sus orígenes, quedaron atrapados entre su pasado como judíos y aquello que tuvieron que afrontar bajo el régimen estalinista: una vida en las grietas más inhóspitas de la historia.

El enfoque de Shore no da pie al dramatismo, su mirada tiene la misma curiosidad atenta por cada detalle de la vida diaria de estas personas y su entorno, que la contemplada en Uncommon Places. El uso de la cámara digital lo vincula también con esta serie, puesto que ahora tiene a su disposición la posibilidad de alcanzar aquello que antes técnicamente solo podría lograr una cámara de gran formato, pero con las ventajas de la manejabilidad y la velocidad de las 35mm.

En el reciente proyecto Winslow volvemos a encontrar la reflexión sobre esos espacios donde distintas fuerzas culturales intervienen, manifestándose a través de todo tipo de artefactos, en la idiosincrasia arquitectónica del lugar o en el carácter de su urbanismo, atendiendo también a las distintas capas de tiempo que ponen en relación elementos de distintas épocas.

A pesar de trabajar con una cámara digital, Shore se somete voluntariamente a la misma economía de medios empleada con la cámara de gran formato: una única toma para cada tema, aunque por razones muy distintas. Lo que antes se debía a una necesidad de ahorro, aquí se ha convertido en una limitación autoimpuesta que le permite seguir respondiendo a los nuevos retos planteados. En este caso, el desafío de fotografiar Winslow en un solo día como ejercicio de carácter performático.

Stephen Shore
Fundación Mapfre
Hasta el 23 de noviembre de 2014